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mercoledì 22 Gennaio ore 20.00; giovedì 23 Gennaio ore 20.00; venerdì 24 Gennaio ore 18.00; sabato 25 Gennaio ore 19.00; domenica 26 Gennaio ore 17.00; martedì 28 Gennaio ore 20.00; mercoledì 29 Gennaio ore 18.00

Giacomo Puccini TOSCA

Melodramma in tre atti su libretto di Luigi Illica e Giuseppe Giacosa, dal dramma omonimo di Victorien Sardou.

Prima rappresentazione: Roma, Teatro Costanzi, 14 gennaio 1900

Nuova Produzione del Teatro di San Carlo

Direttore | Donato Renzetti Regia | Edoardo De Angelis Scene | Mimmo Paladino Costumi | Massimo Cantini Parrini

Interpreti

Floria Tosca | Carmen Giannattasio / Monica Zanettin Mario Cavaradossi | Fabio Sartori / Migran Agadzhanyan

Il Barone Scarpia | Enkhbat Amartuvshin Cesare Angelotti | Renzo Ran Il Sagrestano | Matteo Peirone Spoletta | Francesco Pittari

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo Con la partecipazione del coro di Voci Bianche del Teatro di San Carlo

Nel 1798, dopo le prime vittorie di Napoleone nella prima campagna d'Italia, truppe francesi avevano occupato Roma e proclamato la Repubblica; ma allontanatosi Napoleone per la campagna d'Egitto, il presidio francese fu cacciato da Roma dall'esercito napoletano di Ferdinando IV di Borbone che spazzò via la Repubblica ed i suoi esponenti. Su questa trama storica si basa Tosca che incontrò da subito il favore del pubblico ben presto sedotto dal calore sensuale e dalla vitalità dei due protagonisti: Tosca e Cavaradossi. Ricca di effetti scenici a forti tinte, di particolari realistici, di passioni elementari espresse da motivi energici e melodie impetuose, l'opera disorientò però una parte della critica che fu colpita dal verismo sfrenato che mostra torture e delitti d'ogni genere come nella scena della fucilazione o, ancor più, in quella dell'uccisione di Scarpia per mano di Tosca. Dimenticato l'intimismo piccolo borghese della Bohème, Puccini costruisce l'opera intorno alla figura negativa di Scarpia e crea una partitura ricca di sfumature dinamiche con frequenti indicazioni di piano e pianissimo in orchestra e un uso frequente dei “motivi ricorrenti” ovvero quelle melodie riconducibili ai vari personaggi.

domenica 2 Febbraio ore 18.00; lunedì 3 Febbraio ore 20.00

CONCERTO DANIELE GATTI

Direttore | Daniele Gatti

Johannes Brahms Ein Deutsches Requiem (Requiem tedesco), per soli, coro e orchestra, op. 45 (1868)

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo

Se la morte può avere un suo canto, un suono che la identifichi, ebbene Ein Deutsches Requiem è quel canto. Non si esagera nel considerarlo uno dei massimi capolavori sinfonico-corali della seconda metà dell’Ottocento poiché rappresenta una nuova idea di musica liturgica, tedesca, mitteleuropea e segna l’inizio della fase della prima maturità artistica del musicista. Non si tratta di un Requiem in senso propriamente liturgico, e non ha una diretta relazione con le messe funebri in latino come quelle di Mozart o Verdi; Brahms stesso compose un libretto traendolo dalla Bibbia in tedesco nella versione di Martin Lutero. Il concetto di fondo portato avanti dal compositore è di natura più filosofica che religiosa: le persone cui portare aiuto e consolazione non sono i morti, ma i vivi. Le melodie racchiuse in Ein Deutsches Requiem, così come le armonie sempre cangianti e un uso “antico” delle voci ci offrono un’idea nuova di musica liturgica; il tono di pace e consolazione racchiuso in ogni singola battuta lascia pensare che il giovane compositore avesse a lungo meditato sulla morte tentando poi, con successo, di darle voce.

venerdì 7 Febbraio ore 18.00

CAMERATA SALZBURG

Direttore e violino | Viviane Hagner

Franz Schubert Cinque danze tedesche con coda e sette trii D 90 per due violini viola e violoncello (1812)

Wolfgang A. Mozart Concerto in la maggiore n. 5 "Türkish", K 219 per violino e orchestra (1775)

Franz Schubert Rondò in la maggiore D 438 per violino e archi (1816)

Franz Joseph Haydn Sinfonia n. 43 in mi bemolle maggiore "Merkur", Hob: I:43 (1771)

Camerata Salzburg

Concerto d’imprese

Dal Classicismo ai primi vagiti del Romanticismo, passando per l'esotismo delle turcherie e il leggero e misterioso volo di Mercurio; l'insolito programma presentato dalla Camerata Salzburg (a rigore, “Camerata Academica del Mozarteum di Salisburgo”) pone l'accento su un repertorio a metà tra musica da camera e sinfonica e lo fa con il suo stile inconfondibile, a denominazione d’origine controllata diremmo oggi. Tutti in piedi sul palco, secondo lo stile barocco, e con il Kappelmeister al comando, i solisti della Camerata riportano in vita il mondo musicale a cavallo del XVIII e XIX secolo, con le sue Accademie e lo stile raffinato.

mercoledì 12 Febbraio ore 20.00; venerdì 14 Febbraio ore 20.00; sabato 15 Febbraio ore 19.00; domenica 16 Febbraio ore 17.00; martedì 18 Febbraio ore 20.00; giovedì 20 Febbraio ore 18.00

Vincenzo Bellini NORMA

Tragedia lirica in due atti su libretto di Felice Romani, dalla tragedia “Norma” di A. Soumet.

Prima rappresentazione: Milano, Teatro alla Scala, 26 dicembre 1831 Produzione del Teatro di San Carlo

Direttore | Francesco Ivan Ciampa Regia | Lorenzo Amato Scene | Ezio Frigerio Costumi | Franca Squarciapino

Interpreti

Norma | Maria Josè Siri / Angela Meade Adalgisa | Annalisa Stroppa / Sonia Ganassi Pollione | Fabio Sartori / Mikheil Sheshaberidze

Oroveso | Fabrizio Beggi / Ildo Song Clotilde | Fulvia Mastrobuono Flavio | Antonello Ceron

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo

Potendo contare su un cast eccellente che aveva i suoi punti di forza nelle prime donne Giuditta Pasta e Giulia Grisi, e nel tenore Domenico Donzelli, il compositore e librettista si misero alla ricerca di un soggetto drammatico che permettesse di sfruttare appieno le doti vocali e di recitazione dei protagonisti. La scelta cadde su un lavoro teatrale andato da poco in scena a Parigi e costruito su tre nuclei tematici di sicuro effetto sul pubblico: il motivo della sacerdotessa che infrange per amore i suoi voti, il tema dell'infanticidio come vendetta amorosa e, per finire, il motivo celtico-barbarico con gli antichi riti nella sacra foresta. Con Norma, Bellini raggiunge l'apice del proprio lirismo vocale, affermando nel contempo una forza drammatica che si rivela sia nella maestosa ed incisiva chiarezza dei recitativi, sia nella solennità della massa corale che fa da sfondo alla tragedia come un grande affresco. Wagner, che certamente non era ben disposto verso l'opera italiana, diresse Norma nel 1837 a Riga, a riprova della profonda ammirazione per quest'opera. Addirittura l'invocazione di Norma “Deh, non volerli vittime”, prima del concertato finale, è alla base della struttura scenico-musicale della morte di Isotta.

sabato 22 Febbraio ore 18.00
DENNIS RUSSELL DAVIES

Direttore | Dennis Russell Davies

Neue Vokalsolisten Stuttgart

Bruno Maderna In Ecclesiis versione per grande orchestra del mottetto di Giovanni Gabrieli (1966)

Raffaele Grimaldi e Lucia Ronchetti Florilegium.Studio da Gesualdo per ensemble vocale coro orchestra Prima esecuzione assoluta

Dmitrij Šostakovič Sinfonia n. 15 in la maggiore, op. 141 per grande orchestra

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo

Interessante operazione di trascrizione/revisione quella di Bruno Maderna (pseudonimo di Bruno Grossato 1920-1973) acuto conoscitore e studioso di musica antica che già negli anni '50, accanto alla sua produzione di musica dodecafonica, si dedicava alla riscoperta della musica veneziana del Cinquecento.

Affermare le proprie scelte linguistiche e tecniche fu molto difficile per il compositore russo che ebbe sempre rapporti difficili e agitati con il potere politico in URSS; in più di una occasione i responsabili delle questioni ideologiche e culturali del suo paese intervennero per scomunicare o quanto meno censurare ed esprimere riserve nei confronti di alcune composizioni. La Sinfonia n. 15, l'ultima composta da Šostakovič, risente solo in parte del linguaggio moderno che tante critiche gli aveva attirato ed è caratterizzata da un'atmosfera briosa e scherzosa che coinvolge man mano tutta l'orchestra in una festosa girandola di suoni.

venerdì 28 Febbraio ore 20.00; sabato 29 Febbraio ore 19.00 domenica 1 Marzo ore 17.00; martedì 3 Marzo ore 20.00

Ludwig Minkus DON QUIJOTE (DON CHISCIOTTE)
Balletto in tre atti, dal romanzo di Miguel De Cervantes, Don Chisciotte della Mancia.
Prima rappresentazione: Mosca, Teatro Bolshoi, 14 dicembre 186

Direttore | David Garforth Coreografia | Aleksej Fadeeĉev mScene e Costumi | Viaĉeslav Okunev

Interpreti

Kitri | Maria Kochetkovam Basilio | Daniil Simkin
Orchestra e Balletto del Teatro di San Carlo

capolavoro della letteratura mondiale Don Chisciotte della Mancia scritto da Miguel de Cervantes cominciò ad affascinare il mondo del balletto nella prima metà del Settecento. Idealista e sognatore, comico ed eroico, sentimentale e temerario, è l’ultimo erede di un mondo cavalleresco che non esiste più. Don Chisciotte è uno dei grandi capolavori del repertorio classico, un fuoco d’artificio di virtuosismo, espressività, scintillio tecnico. Marius Petipa, grande maître de ballet francese alla corte degli zar, creò due versioni del balletto: la prima per il Teatro Bolshoi di Mosca (1869) e la seconda per il Teatro Mariinsky di San Pietroburgo (1871) che si impose per la straordinaria e fantasiosa varietà dei passi, le simmetrie rigorose dell’ “atto bianco” (la scena del sogno di Don Chisciotte) e il celeberrimo Pas de deux finale, punto di arrivo per danzatori esperti. La versione, a dir poco spettacolare, con Michail Baryšnikov, insuperabile protagonista accanto a Cynthia Harvey con la compagnia dell’American Ballet Theatre, ha fatto il giro del mondo; al Teatro di San Carlo quella di Rudol’f Nureev è andata in scena nel 1982 (creata nel 1966 per l’Opera di Vienna) e ha lasciato ancora il segno. La sfavillante edizione di Aleksej Fadeečev (dall’originale di Marius Petipa), rappresentata al Teatro di San Carlo cinque anni fa con Svetlana Zakharova, torna ad incantare con la sua atmosfera solare, allegra, divertente e di grande bellezza coreutica. “La versione di Fadeečev mi è piaciuta moltissimo – racconta Giuseppe Picone - in questi ultimi tre anni ho scelto balletti di stile classico, rigoroso, pulito per far crescere la compagnia, ora è il momento di affrontare questo capolavoro: lo rappresenteranno con classe e credo che saranno fantastici! E poi Napoli è spagnoleggiante, ha un fuoco interiore, c’è il Vesuvio… sarà un’esplosione di danza”.

martedì 10 Marzo ore 20.00; mercoledì 11 Marzo ore 18.00

Ludovico Einaudi WINTER JOURNEY

Opera su libretto di Colm Toíbín e ideazione drammaturgica di Roberto Andò

Coproduzione con il Teatro Massimo di Palermo Prima rappresentazione assoluta a Napoli

Direttore | Carlo Tenan Regia | Roberto Andò Scenografo / Costumista / Light designer | Gianni Carluccio Video Maker | Luca Scarsella

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo

Fin dagli esordi con l'opera Time out (1983), Ludovico Einaudi si è sempre interessato al teatro e alla danza trasferendo sul palcoscenico il suo inconfondibile stile fatto di strutture compositive minimali. Anche se di formazione classica, dall’inizio degli anni ’80 l'autore ha intrapreso il cammino alla ricerca di un linguaggio più libero, in grado di assorbire culture ed influenze musicali diverse, tra cui il Rock del quale riprende l’immediatezza, la carica emotiva e l’impatto sonoro. Il tema del viaggio ha sempre incuriosito Einaudi che già nel 1995 con l'opera / balletto Salgari (Per Terra E Per Mare) e, ancor più nel 2005, con Diario Mali volge il suo sguardo sul variegato mondo che ci circonda. Winter Journey è un viaggio nell’inverno desolato dell’Europa di oggi, nella solitudine disperata di chi è costretto a lasciare il proprio paese per imbarcarsi alla volta di terre in cui mendicare una manciata di vita. Che la si definisca una storia d’amore tra un uomo e una donna, o tra un bambino e i suoi genitori, questa è una storia che va oltre i confini ordinari dell’amore.

Perdita, dolore, solitudine, disperazione, ironia, sono le diverse intonazioni delle voci che vi si inseguono, in un colloquio tragico, che, a volte, assume il tono febbrile del desiderio, altre quello lirico e struggente dell’assenza.

sabato 14 Marzo ore 20.00; domenica 15 Marzo ore 18.00

JURAJ VALČUHA

Direttore | Juraj Valčuha Pianoforte | Alexander Malofeev

Jean Sibelius Aallottaret (Le Oceanidi) op. 73 poema sinfonico per orchestra (1914)

Edward Grieg Concerto in la minore op. 16 per pianoforte e orchestra (1869)

Ottorino Respighi Fontane di Roma, P 106 poema sinfonico (1917) Pini di Roma, P 141 poema sinfonico (1924)

Orchestra del Teatro di San Carlo

Impressioni, suggestioni, emozioni; questo racconta il Concerto che spazia dagli orizzonti della Scandinavia ai panorami della città eterna, dalle Ninfe del Mediterraneo al suono delle fontane di Roma. Se il poema del finlandese Sibelius venne definito “la migliore evocazione del mare mai descritta in musica”, il Concerto di Grieg contribuì notevolmente alla conoscenza e alla diffusione in Europa della musica popolare norvegese, di cui riuscì ad esprimere i sentimenti più intimi con la naturalezza del linguaggio armonico, che talvolta preannuncia certe soluzioni e tendenze musicali moderne di stampo impressionistico.

Tra tutti i compositori della "generazione dell'80" che nell'Italia del primo Novecento propongono un rinnovamento del linguaggio musicale, Ottorino Respighi ha forse il maggior respiro culturale a livello europeo. La sua produzione sinfonica coniuga il suo senso della natura, il suo interesse per l'animo e le tradizioni popolari e il gusto delle antiche forme liturgiche del Canto Gregoriano con vasti richiami alla contemporanea cultura musicale europea. Del resto, dopo gli studi musicali compiuti presso il conservatorio di Bologna, ebbe modo di seguire i corsi di Rimski-Korsakov a San Pietroburgo e poi quelli di Max Bruch presso la Hochschule di Berlino. Nel ciclo dei poemi sinfonici romani Respighi sfrutta a fondo le sue straordinarie doti di orchestratore, riportando le sensazioni provate nella visita della città di Roma nei primi del Novecento

martedì 24 Marzo ore 20.00

BUDAPEST FESTIVAL ORCHESTRA

Direttore | Iván Fischer Violino | Patricia Kopatchinskaja

Richard Strauss Introduzione e valzer da "Der Rosenkavalier", op. 59, I. e II. Atto. Prima serie di valzer (1944)

Jean Sibelius Concerto in re minore op. 47 per violino e orchestra (1904)

Gustav Mahler Adagio dalla Decima Sinfonia (1910)

Richard Strauss Till Eulenspiegels lustige Streiche (I tiri burloni di Till Eulenspiegel 28 poema sinfonico (1895)

Budapest Festival Orchestra

Concerto d’Imprese Der Rosenkavalier, dopo Madama Butterfly, è l'opera più rappresentata del Novecento per la sua musica irresistibile e tanto amabilmente felice; ciò spiega perché è destinata a tornare di frequente non solo a teatro ma anche nelle sale da concerto in una delle tante riduzioni per orchestra.

Lungo e travagliato fu l'iter compositivo del Concerto di Sibelius che, con questa partitura si trovò di fronte all'esigenza di mediare due fattori difficilmente conciliabili; da un lato la lunga e illustre tradizione del Concerto romantico, dall'altro il proprio personale stile compositivo che rifletteva necessariamente una rivendicazione di identità culturale per la Finlandia. Difficile interpretare l'Adagio della Decima Sinfonia, composta da Mahler nel 1910 e interrotta a causa della morte, che lo colse a Vienna il 18 maggio 1911; il pezzo, infatti, non è una pagina conclusiva, né di una Sinfonia né di una vita, ma l'inizio di un percorso interrotto. “C'era una volta...”: le prime battute dell'introduzione del Till Eulenspiegel sembrano tradurre in suoni il tradizionale esordio delle favole; Strauss era molto soddisfatto del suo Poema sinfonico che definiva “molto allegro e spavaldo”. Della sua produzione giovanile, avventurosa e sensuale, il Till è una delle opere più significative per la concezione e per la forma, entrambe estrose e tuttavia ben meditate. Ancora oggi, dopo oltre un secolo, pare un ardito capolavoro.

venerdì 27 Marzo ore 20.00; sabato 28 Marzo ore 19.00; domenica 29 Marzo ore 17.00; martedì 31 Marzo ore 20.00

Aprile 2020 giovedì 2 ore 18.00; venerdì 3 ore 20.00; sabato 4 ore 19.00; domenica 5 ore 17.00

Wolfgang Amadeus Mozart Die Zauberflöte (Il FLAUTO MAGICO)

Singspiel in due atti K620 su libretto di Emanuel Schikaneder.

Prima rappresentazione: Vienna, Theater auf der Wieden, 30 settembre 1791

Produzione del Teatro Regio di Torino

Direttore | Asher Fisch / Maurizio Agostini (2 e 3 aprile) Regia | Roberto Andò Scene | Giovanni Carluccio Costumi | Nanà Cecchi

Interpreti

Sarastro | Goran Jurić / Ramaz Chikviladze Tamino | Antonio Poli / Mert Süngü Pamina | Mariangela Sicilia / Valentina Mastrangelo

Astrifiammante Regina della Notte | Daniela Cappiello / Tetiana Zhuravel Papageno | Roberto De Candia / Vincenzo Nizzardo

Papagena | Lara Lagni Monostatos | Cristiano Olivieri Prima dama | Emanuela Torresi

Seconda dama | Laura Cherici Terza dama | Adriana Di Paola nArmigero / Sacerdote | Marco Miglietta

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo

Schikaneder, confratello in massoneria di Mozart, aveva da poco riaperto il teatro auf der Wieden dove si rappresentavano soprattutto Singspiele, ovvero azioni non interamente musicali ma comprensive di parti parlate e di canto. Nella mani di Mozart il libretto (a dire il vero piuttosto convenzionale, con alternanza di scene buffonesche e drammatiche) prese nuova vita trasformandosi in un fiabesco rito di iniziazione nel quale le vicende dei protagonisti assumono un significato inatteso. Tutti gli accadimenti scenici e musicali che si svolgono nell'opera seguono una dinamica prettamente teatrale, sganciata però da una logica drammatica stringente ed unitaria. Composto nei ritagli di tempo della stesura della Clemenza di Tito, Il flauto magico fu da subito riconosciuto come un capolavoro assoluto; Salieri, il principale antagonista di Mozart, la definì un'opera degna di essere rappresentata nelle maggiori solennità e Goethe la riteneva la sola musica che avrebbe potuto rivestire di note il suo Faust. L'opera accoglie in se tutti i più importanti elementi stilistici e razionali della musica operistica settecentesca, fusi in un'unità drammatico-musicale carica di significati simbolici e che servirà da modello all'opera romantica tedesca.

lunedì 6 Aprile ore 20.00

AKADEMIE FÜR ALTE MUSIK RIAS KAMMERCHOR

Direttore | Justin Doyl Soprano | Anna Prohaska Alto | Benno Schachtner Evangelista | Sebastian Kohlhepp

Tenore | Patrick Grahl Basso | Konstantin Krimmel

Johannes Sebastian Bach Matthäus Passion (Passione secondo Matteo), BWV 244 per soli, doppio coro e doppia orchestra (1727)

Akademie Für Alte Musik Rias Kammerchor

Concerto d’Imprese

"Teatrale": così è stato definito il linguaggio della Passione secondo Matteo che effettivamente introduce nel linguaggio evangelico, con l'alternanza fra corali e arie, cori e recitativi, le pieghe emotive di un dramma barocco. La concitazione della folla, le lacrime dei fedeli, il pentimento di Pietro, il lutto di Giuseppe di Arimatea. Vengono in primo piano grazie alla musica e i sentimenti umani diventano occasione di meditazione. A partire dalla riscoperta avvenuta in epoca romantica, quando Felix Mendelssohn-Bartholdy ne diresse a Berlino una prima (e in realtà piuttosto ridotta) esecuzione "moderna" (1829), la Passione secondo Matteo è divenuta il simbolo dell'intera produzione sacra di Bach, tanto da porre in ombra gli altri suoi grandi capolavori. La coesione dell'organismo musicale è resa possibile anche dall'originale trattamento della figura dell'Evangelista che non ha solo il compito di narrare gli eventi e di introdurre i personaggi che parlano in prima persona (Gesù, Pilato etc.), ma anticipa di volta in volta la meditazione e il commento delle Arie le quali fanno sempre riferimento ai tre sentimenti dominanti della colpa, della pietà e della speranza.

venerdì 17 Aprile ore 20.00; sabato 18 Aprile ore 17.00 e ore 21.00; domenica 19 Aprile ore 17.00

Wolfgang Amadeus Mozart AMADE’
Musiche di Wolfgang Amadeus Mozart Eseguite dal vivo dal Quartetto d’Archi del Teatro di San Carlo

Pianoforte | Alexandra Brucher / Aniello Mallardo

Nuova creazione per il Balletto del Teatro di San Carlo

Coreografia | Juliano Nuñes Design Interattivo | Matteo Vinti Costumi | Agnes Letestu

Interpreti | Polina Semionova / Friedemann Vogel
Balletto del Teatro di San Carlo

Nuova creazione per il Balletto del Teatro di San Carlo, il titolo è un chiaro riferimento all’autore della musica, amato, apprezzato, imperterrita ed inarrestabile fonte di ispirazione: Amadeus Mozart. Classe 1990, giovanissimo, Juliano Nuñes si è formato al Conservatorio Brasiliano di Danza a Rio de Janeiro. Dopo le prime esperienze di lavoro in Germania, tra cui anche il Balletto di Lipsia, si è traferito al Balletto Reale delle Fiandre, diretto da Sidi Larbi Cherkaoui. Ha lavorato con Akram Kahn, Ohad Naharin, Merce Cunningham, William Forsythe, Hans van Manen e Yuri Grigorovič, solo per citarne alcuni, sviluppando una grande esperienza e versatilità nel panorama contemporaneo. Il suo particolare talento coreografico si è concretizzato nel 2017 quando ha creato Back Forward Back per il Balletto delle Fiandre. Acclamato dalla critica e dal pubblico, la sua carriera di coreografo è in forte ascesa tanto che sta lavorando con alcune delle migliori compagnie del mondo, dall’Opéra di Parigi al National Ballet of Canada fino al Teatro Mariinsky di San Pietroburgo e al Royal Ballet di Londra, oltre al Birmingham Royal Ballet, diretto da Carlos Acosta. “Sono un amante sfegatato di Mozart – racconta Giuseppe Picone – nutro per lui un amore viscerale. Ho seguito per due anni il lavoro di Nuñes sui social e ne sono rimasto molto colpito. Gli ho chiesto di venire a lavorare al Teatro San Carlo e gli ho consigliato di dedicarsi esclusivamente alla coreografia perché ha un talento straordinario. Amadè coinvolgerà tutta la compagnia, circa trenta elementi, e parteciperò anche io accanto a Polina Semionova e Friedemann Vogel. Lo stile di Nuñes è completamente contemporaneo, pieno di off balance. Il suo movimento fluido si smonta, si disarticola completamente e si ricompone in nuovi passaggi, ogni volta diversi in continuo divenire. Sarà un qualcosa di veramente innovativo, anche col supporto delle immagini del video designer Matteo Viti e dei costumi disegnati da Agnes Letestu, étoile dell’Opéra di Parigi”.

mercoledì 22 Aprile ore 18.00

JURAJ VALČUHA

Direttore | Juraj Valčuha

Richard Strauss Tod und Verklärung op. 24, poema sinfonico (1895)(Morte e trasfigurazione)

Pëtr Il'ič Čajkovskij Sinfonia n. 6 in si minore, op. 74 "Patetica" (1893)

Orchestra del Teatro di San Carlo

“Sei anni fa mi venne in mente l'idea di rappresentare musicalmente in un poema sinfonico i momenti che precedono la morte di un uomo, la cui vita fosse stata un continuo tendere ai supremi ideali: un tale uomo è per eccellenza l'artista”. Con queste parole l'autore sintetizza il programma ideale del brano che descrive l'ultima notte di un malato, che giace assopito nel ricordo di un momento di felicità. Il sonno leggero è interrotto da un soprassalto del male, finché l'allentarsi della morsa del dolore gli permette di ripensare alle grandi aspirazioni della sua vita. La musica fu composta tra il 1888 e il 1890 e, pur trattandosi di un'opera di apprendistato, lo stile di Strauss è diretto e inconfondibile.

Nonostante il successo dell'opera La dama di picche (1890), e dei due grandi balletti, La bella addormentata (1888-1889) e Lo schiaccianoci (1891-92), Čajkovskij non riusciva ad allontanare da sé quel pessimismo che lo aveva sempre dominato. L'insuccesso della Quarta e della Quinta sinfonia, composte negli stessi anni, avevano tenuto lontano l'autore dal genere e solo nel febbraio del '93, quando sembrò tornargli l'ispirazione, si rimise al lavoro quasi con frenesia e dopo qualche mese portò a termine la più grande e importante delle sue Sinfonie: la Patetica. L'epistolario di Čajkovskij indica come quest'opera fosse concepita quale sinfonia a programma anche se l'autore non ha mai determinato con precisione di quale programma si trattasse.

lunedì 27 Aprile ore 18.00

DAVID FRAY /ORCHESTRA GIOVANILE LUIGI CHERUBINI

Direttore e pianista | David Fray

Johann S. Bach Concerto per pianoforte e archi N. 1 in re minore, BWV 1052

Johann S. Bach Concerto per pianoforte e archi N. 4 in La maggiore, BWV 1055A. Mozart Concerto per pianoforte e orchestra N. 24 in do minore K. 491

Orchestra Giovanile Luigi Cherubini

Realizzati probabilmente a scopo didattico per i suoi figli, Wilhelm Friedemann e Carl Philipp Emanuel, i concerti per Clavicembalo e orchestra sono trascrizioni di alcuni concerti per violino scritti per il principe Leopold di Anhalt-Köthen tra 1717 al 1723. Le esigenze di quella corte erano per lo più legate ad avvenimenti celebrativi interni, esigenze didattiche, approfondimento culturale, dilettantismo e concertismo di piacere, occorrenze che Bach soddisfaceva con nuove composizioni e trascrizioni. In questo modo il compositore andava incontro anche al gusto della borghesia locale che apprezzava particolarmente il nuovo genere del concerto solistico per clavicembalo, nonché al buon numero di virtuosi della tastiera presenti all'epoca a Lipsia.

In una lettera al padre del 28 dicembre 1782, Mozart parlava dei tre Concerti per pianoforte e orchestra cui stava lavorando, affermando che: “Questi concerti sono una via di mezzo tra il troppo facile e il troppo difficile: sono molto brillanti, gradevoli all'orecchio pur senza cadere nella vuotaggine, qua e là anche gli intenditori avranno di che esserne soddisfatti, ma in modo che anche coloro che non lo sono proveranno piacere, senza sapere il perché”. Nella stessa lettera Mozart scrive anche “Vendo i biglietti per 6 ducati”, a testimonianza che la ragione semplice e concreta che lo aveva spinto a comporre questa serie di capolavori era quella economica.

domenica 3 Maggio ore 19.00; martedì 5 Maggio ore 20.00; giovedì 7 Maggio ore 18.00; venerdì 8 Maggio ore 20.00

Sergej Prokof’ev L’AMOUR DES TROIS ORANGES (L'AMORE DELLE TRE MELARANCE)

Opera in un prologo e quattro atti op. 33 su libretto di Sergej Prokof’ev, tratto dalla commedia “L'amore delle tre melarance” di Carlo Gozzi, adattata da Vsevolod Mejerchol’d, Vladimir Solov’ëv e Konstantin Vogak.

Prima rappresentazione: Chicago, Auditorium Theatre, 30 dicembre 1921

Produzione del Teatro del Maggio Fiorentino

Direttore | Juraj Valčuha Regia | Alessandro Talevi Scene | Justin Arienti Costumi | Manuel Pedretti

Interpreti

Il re di Coppe | Goran Jurić Il principe Tartaglia, suo figlio | Bogdan Volkov

Leandro, primo ministro | Fabio Capitanucci La principessa Clarice, nipote del re | Julia Gertseva

Pantalone, cortigiano favorito del re | Leonardo Galeazzi Truffaldino, menestrello di corte | François Piolino

Celio, mago e genio protettore del re | Roberto Abbondanza La fata Morgana, maga e genio protettore di Leandro | Rosie Aldridge

Smeraldina, servitrice della fata Morgana | Marina Comparato La maga Creonta, sotto le spoglie di una cuoca | Donald Thomson

Farfarello, diavolo | Carlo Andrea Masciadri

Linetta | Francesca Paola Geretto Nicoletta | Chiara Tirotta Ninetta, principesse delle melarance | Hasmik Torosyan

Un messaggero | Laurence Meikel Il Maestro di cerimonie | Andrea Giovannini

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo

Conosciuto come lo “Chopin cosacco della generazione del futuro”, Sergej Prokof'ev si era riproposto di conquistare i palcoscenici d'America con le sue doti di pianista aggressivo e virtuoso. Ma se l'abilità dell'esecutore conquistò facilmente le simpatie del pubblico, le sue doti di compositore non ebbero subito il favore delle platee d'oltre oceano, timorose di un possibile “contagio” della sovversione “anarchico-bolscevica”. Ci volle il coraggio del direttore dell'opera di Chicago, l'italiano Cleofonte Campanini, per commissionare al giovane Prokof'ev un'opera del tutto nuova che univa alle maschere (e alla parodie della Commedia dell'Arte ideate da Gozzi) le scelte del drammaturgo ed artista d'avanguardia Vsevolod Mejerchol'd. Con il suo miscuglio di fiaba, satira e commedia, L'amore delle tre melarance rappresenta appieno l'orientamento teatrale di Prokof'ev indirizzato “contro il naturalismo e la routine dei grandi epigoni del teatro prerivoluzionario”. Lo sberleffo e la caricatura delle convenzioni del melodramma Ottocentesco sono la cifra che percorre l'opera da cima a fondo in un turbinio inesauribile di invenzioni musicali nelle quali l'orchestra gioca un ruolo fondamentale.

domenica 10 Maggio ore 18.00

James Feddeck

Direttore | James Feddeck Voce recitante | da definire Baritono | Roberto Abbondanza

Carlo Galante Il Convitato delle ultime feste, melologo per voce recitante baritono e orchestra su testo di Stefano Valanzuolo, liberamente tratto dal racconto omonimo di Auguste Villiers de L'Isle-Adam, (2018 Prima esecuzione assoluta Cesar Franck Sinfonia in re minore (1889)

Orchestra del Teatro di San Carlo

Poco francese e troppo legata al modello beethoveniano: così giudicarono la Sinfonia i professori del Conservatorio parigino, specie per quello che riguarda il senso della costruzione, cioè la cosiddetta “forma ciclica”, che consiste nella scelta e nella elaborazione di cellule tematiche che si rincorrono e si integrano nei vari movimenti e conferiscono alla composizione un nesso organico e unitario. Ma in breve tempo il giudizio cambiò fino a riconoscere in Franck una figura “provvidenziale per la musica francese” nel quale si fondono “il lirismo dinamico dei tedeschi e la rigorosa e sensibile chiarezza francese”.

giovedì 14 Maggio ore 20.00; venerdì 15 Maggio ore 20.00; sabato 16 Maggio ore 19.00; domenica 17 Maggio ore 17.00

Giovanni Paisiello LA SERVA PADRONA

Intermezzo buffo su libretto di Gennaro Antonio Federico, riprendendo l’antecedente di Giovanni Battista Pergolesi.

Orchestrazione di Ottorino Respighi Prima rappresentazione: San Pietroburgo, Teatro San Bartolomeo, 30 agosto 1781

Direttore | Carmine Pinto Regia e elementi di scena| Mariano Bauduin Costumi | Marianna Carbone

Interpreti

Uberto | Filippo Morace Serpina | Rossella Locatelli Vespone | Ernesto Lama

Orchestra del Teatro di San Carlo

Dell'omonima e ben più celebre opera di Pergolesi, La Serva padrona di Paisiello rappresenta un'interessante variante del modello che segnò la nascita dell'opera buffa. La mancanza di libretti fu uno dei principali problemi affrontati dal musicista durante gli anni trascorsi alla corte di Russia (1176-84) e, come spiega lo stesso compositore in una lettera a Ferdinando Galiani nel settembre 1781, “Per non avere qui né poeta né libri, sono stato costretto di mettere in musica La serva padrona fatta tanti anni fa dal fu Pergolesi”. Rispolverando per l’onomastico del granduca Alessandro (allora bambino di quattro anni) il libretto già musicato da Pergolesi nel 1733, Paisiello fece comunque qualche aggiunta e mise mano alla strumentazione avendo a disposizione l’eccellente orchestra imperiale certamente più ricca rispetto ai soli archi di Pergolesi. Nella nuova partitura troviamo infatti un largo impiego di strumenti a fiato (flauti, oboi, clarinetti, fagotti e corni, tutti in coppia), usati tanto per il ‘ripieno’ quanto per i dialoghi concertanti, nei quali Paisiello è maestro. Di fronte al pubblico della corte imperiale il musicista rinunciò a una comicità eccessivamente chiassosa e caricata, ovvero a quel carattere «trop napolitain» che qualcuno gli aveva già attribuito.

domenica 24 Maggio ore 19.00; martedì 26 Maggio ore 20.00; mercoledì 27 Maggio ore 18.00; giovedì 28 Maggio ore 18.00;

venerdì 29 ore 20.00

Vincenzo Bellini I PURITANI

Melodramma serio in 3 parti su libretto di Carlo Pepoli, tratto dal dramma storico di Jacques-François Ancelot e Joseph Xavier Boniface Têtes rondes et Cavaliers.

Prima rappresentazione dell’originale: Parigi, Théâtre de la comédie italienne, 24 gennaio 1835

Produzione del Teatro Real di Madrid

Direttore | Gabriele Ferro Regia | Emilio Sagi Scene | Daniel Bianco Costumi | Pepa Ojanguren

Interpreti

Arturo Talbo | Francesco Demuro / Francesco Castoro Elvira | Jessica Pratt / Maria Grazia Schiavo

Sir Riccardo Forth | Davide Luciano / Seung-Gi Jung Sir Giorgio | Abramo Rosalen

Enrichetta di Francia | Chiara Tirotta Lord Gualtiero Valton | Gabriele Sagona Sir Bruno Roberton | Saverio Fiore

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo

Dopo gli splendori di Sonnambula e Norma, sembrava impossibile scrivere ancora un capolavoro; eppure i Puritani contengono pagine di assoluta ispirazione e fanno sfoggio di felici idee melodiche e di momenti improntati ad un sentimentalismo espansivo, tipicamente italiano. Bellini sembra orientato verso vie più aperte agli influssi dell'estetica romantica senza rinunciare al suo inconfondibile lirismo melodico.

Nonostante lo sfondo romanzesco e guerriero, l'opera ha un proprio colore elegiaco che si esplica nella follia di Elvira e nella passione di Arturo. Il dramma originario, pur se macchinoso e complicato, offriva una gran quantità di situazioni teatrali che affascinarono il compositore e il librettista; in particolare il tema eroico-patriottico, quello amoroso e quello della follia. Grande protagonista dell'opera è l'orchestra che assume un tono più espressivo rispetto alle opere precedenti, sia nei preludi sia nell'armonia e nella tavolozza dei colori e degli impasti timbrici. Il compositore fa un uso sistematico dei richiami tematici, così come era uso nel teatro francese dell'epoca, e di espedienti tipici del grand-opéra come gli spettacolari quadri storici collettivi o l'impiego di suoni fuori scena, intesi a creare suggestivi effetti spaziali.

venerdì 5 Giugno ore 20.00; sabato 6 Giugno ore 19.00; domenica 7 ore 17.00

Domenico Cimarosa IL MAESTRO DI CAPPELLA

Intermezzo comico.

Drammaturgia e Regia | Mariano Bauduin Elementi scenici | Nicola Rubertelli Costumi | Giusi Giustino Revisione e inserti | Ivano Caiazza

Interpreti

Orchestra del Teatro di San Carlo

Del Maestro di Cappella, a tutt’oggi, non ci sono pervenuti documenti, se non successivi alla morte di Cimarosa, anche se poi numerosi sono gli esemplari custoditi nelle biblioteche di mezzo mondo a testimonianza della sua popolarità. Non si sa con certezza se si tratti effettivamente di un intermezzo poiché la presenza di un solo personaggio lo renderebbe un unicum in quel genere di spettacolo teatrale. Di sicuro il lavoro si ricollega ad un filone metateatrale (ovvero del teatro che parla di teatro) piuttosto frequentato nel Settecento (ricordiamo ad esempio La Dirindina di Domenico Scarlatti, La canterina di Haydn, Der Schauspieldirektor di Mozart) e al quale lo stesso Cimarosa aveva contribuito con L'impresario in angustie. In questa divertente parodia il Maestro tenta di dirigere le prove di un'orchestra indisciplinata: gli archi litigano tra di loro, i corni steccano e gli oboi sono fuori tempo. Alla fine il Maestro riesce a condurre a termine l'impresa cantando con pazienza i passaggi di ciascuno strumento. Nella versione ideata dal regista Mariano Bauduin per il Teatro San Carlo, l'intermezzo è stato “interpolato” con un testo desunto dalla divertente commedia Il Critico, ovverosia le prove di una tragedia di Richard Brinsley Sheridan, importante figura di drammaturgo inglese della seconda metà del ‘700 e autore di celeberrime commedie per il Covent Garden di Londra.

domenica 14 Giugno ore 19.00
JOYCE DIDONATO / IL POMO D’ORO

Direttore | Maxim Emelyanchev Mezzosoprano | Joyce DiDonato

"My Favourite Things" Arie di Claudio Monteverdi, Christoph Willibald Gluck, George Frideric Händel e Henry Purcell.

Orchestra Il Pomo d’Oro

Concerto d’Imprese

Quale titolo migliore per un concerto che inanella le migliori perle del melodramma barocco? Il pomo d'oro, del compositore Antonio Cesti e del librettista Francesco sbarra, è infatti la più straordinaria opera del XVII secolo per ampiezza (cinque atti allestiti in due giornate successive) e per impiego di mezzi: quasi cinquanta cantanti, cori, comparse a non finire, leoni ed elefanti, balli e armeggiamenti. Fu composta in occasione del matrimonio di Leopoldo I d'Austria con la principessa Margherita, infanta di Spagna, e diede il via ad una serie di festeggiamenti e di celebrazioni che dureranno per quasi due anni. Attraverso le arie più celebri del periodo barocco, la straordinaria voce di Joyce DiDonato ci commuove, ci emoziona ma soprattutto ci fa rivivere quel meraviglioso secolo

venerdì 19 Giugno ore 20.00; sabato 20 Giugno ore 19.00; domenica 21 Giugno ore 17.00; martedì 23 Giugno ore 20.00;

mercoledì 24 ore 19.00; sabato 27 ore 18.00; domenica 28 ore 17.00

Giuseppe Verdi AIDA

Opera in quattro atti su libretto di Antonio Ghislanzoni da un soggetto di Auguste Mariette.

Prima rappresentazione: Il Cairo, Kedivial Opera House, 24 Dicembre 1871

Produzione del Teatro La Fenice di Venezia

Direttore | Jordi Bernàcer Regia | Mauro Bolognini ripresa da Bepi Morassi Scene | Mario Ceroli Costumi | Aldo Buti

Interpreti

Aida | Hui He / Carmen Giannattasio / Rachele Stanisci Radamès | Jorge de León / Antonello Palombi

Amneris | Anna Maria Chiuri / Nino Surguladze Amonasro | Claudio Sgura Ramfis | Giorgio Giuseppini / Cristian Saitta

Il Re d'Egitto | Francesco Leoni Una sacerdotessa | Rossella Locatelli Un messaggero | Gianluca Floris

Orchestra, Coro e Balletto del Teatro di San Carlo

Pur se commissionata dal viceré d'Egitto per festeggiare l'apertura del canale di Suez nel 1870, l'opera andò in scena solo l'anno seguente a causa della guerra franco-prussiana che aveva ritardato la preparazione degli scenari e dei costumi in Francia. L'opera risponde agli stilemi del grand-opéra di tradizione francese con un impianto spettacolare senza però rinunciare ad un'intima e ben delineata descrizione psicologica dei personaggi. L'inconsueto “soggetto egiziano”, la solennità dei protagonisti, l'arcaica religiosità dell'atmosfera offrirono a Verdi l'occasione di fondere tradizione e rinnovamento e di mettere a frutto l'esperienza del Don Carlos.

Alla popolarità di Aida hanno certamente contribuito pagine famose come la “Marcia trionfale” o romanze tradizionali come “Celeste Aida”; ma il suo successo non risiede nella facilità del linguaggio musicale quanto nell'elevata tensione drammatica. Nella sua costruzione solida e ampia la partitura può includere anche le danze, i cori e il “colore locale” senza compromettere il discorso musicale complessivo. Quello che colpisce è proprio la capacità del compositore di passare senza scosse dai grandi affreschi collettivi alla solitudine dei protagonisti sfruttando, come tessuto connettivo, una sorta di esotismo musicale.

venerdì 26 Giugno ore 20.00
JOSEP PONS / LETICIA MORENO

Direttore | Josep Pons Violino | Leticia Moreno

Maurice Ravel Alborada del gracioso vers. per orchestra (1919)

Edouard Lalo Symphonie espagnole op. 21, per violino e orchestra (1875)

Manuel de Falla Interludio e danza dall’opera La vida breve (1913 El amor brujo, Balletto in un atto dalla gitaneria del 1915 (1924)

Orchestra del Teatro di San Carlo

Simile al francese "aubade" e all'italiano "mattinata", “alborada" è una serenata d'amore per chitarra d'origine, probabilmente galiziana e riconducibile forse alla pratica trovadorica. Il "Gracioso", a sua volta, è un personaggio buffo della commedia tradizionale spagnola di Calderon e di Lope de Vega. Nata come pagina pianistica, l'Alborada del gracioso fu trascritta dall'autore nel 1918 e il risultato è una partitura di diabolica brillantezza e di virtuosismo di scrittura sensazionale, tale da esaltare le risorse più smaglianti di una moderna orchestra, nonché la sensibilità, l'intelligenza e l'estro del direttore.

Più che di Sinfonia sarebbe più corretto parlare di un Concerto, in quanto il violino vi è trattato in funzione solistica ed è il vero protagonista del discorso musicale: la sua parte è di un virtuosismo denso e brillante e a tratti chiaramente ispirato a modi propri della musica gitana spagnola.

Paradossalmente era stato a Parigi che de Falla aveva ascoltato, grazie a Debussy e Ravel, un nuovo modo di intendere la musica spagnola; non più solo gli stereotipi dell'esotismo di maniera, non più le immagini oleografiche di un luogo più sognato che vissuto, ma elementi autentici della musica popolare spagnola, quali la libertà improvvisativa del canto, le arcaiche inflessioni modali, la pulsione vitalistica, il gusto per i colori accesi e gli atteggiamenti passionali.

domenica 12 Luglio ore 19.00; mercoledì 15 Luglio ore 18.00; domenica 19 Luglio ore 17.00; mercoledì 22 Luglio ore 18.00; venerdì 24 Luglio ore 20.00

Giacomo Puccini LA RONDINE

Commedia lirica in tre atti su libretto di Giuseppe Adami tratto da un libretto di A. M. Wilner e Heinz Reichert.

Prima rappresentazione: Montecarlo, Théâtre de l’Opéra, 27 marzo 1917

Nuova produzione del Teatro di San Carlo

Direttore | Juraj Valčuha Regia | Lorenzo Mariani Scene | Nicola Rubertelli Costumi | Silvia Aymonino

Interpreti

Périchaud | Cristian Saitta Gobin | Orlando Polidoro Crébillon | Laurence Meikle Ivette | Miriam Artiaco

Bianca | Sara Rossini Suzy | Tonia Langella

Orchestra, Coro e Balletto del Teatro di San Carlo

Ancora oggi La rondine viene considerata una composizione minore di Puccini; tacciata di superficialità e banalità, è tuttora fra le sue opere meno eseguite. Secondo alcuni critici l'opera è stata vittima di una grande quantità di equivoci che ne hanno ostacolato il percorso che l’avrebbe dovuta condurre verso il successo. Era stata commissionata in origine come operetta da parte di un Teatro viennese, ma non vide mai la luce in questa veste e anche se tutta la vicenda è cosparsa di un'ironia leggera, rivolta a personaggi in vista come D'Annunzio o Richard Strauss (evocato da una guizzante citazione di Salome), Rondine non ha nulla a che spartire con l'operetta, né ad essa mira la massiccia presenza dei ballabili. Si pensi anzitutto all'onnipresente valzer, cui Puccini tributò una vera e propria apoteosi nel cuore del secondo atto, ma anche a tutte quelle danze moderne di cui l'opera è intessuta, dal fox-trot all'one-step fino al tango e altre ancora. Dal punto di vista musicale La rondine appare come una partitura leggera ma di garbata eleganza: il discorso musicale è fluido, con notazioni sottili e raffinatissime. Predomina, lungo tutta l’opera, il valzer che però, nelle mani di Puccini, perde il suo significato di spensierata allegrezza e conquista un tono teneramente sensuale. Il linguaggio armonico risulta complesso anche grazie a una strumentazione finissima che spesso salva il discorso melodico da certi facili effetti

sabato 18 Luglio ore 19.00; martedì 21 Luglio ore 20.00; giovedì 23 Luglio ore 18.00; sabato 25 Luglio ore 19.00;

domenica 26 Luglio ore 17.00

Georges Bizet CARMEN

Opéra-comique in quattro atti su libretto di Henri Meilhac e Ludovic Halévy ispirato alla novella omonima di Prosper Mérimée.

Prima rappresentazione: Parigi, “Opéra Comique”, 3 Marzo 1875 Nuova produzione del Teatro di San Carlo

Direttore | Emmanuel Villaume Regia | Michele Sorrentino Mangini Scene | Nicola Rubertelli Costumi | Giusi Giustino

Interpreti

Carmen | Clémentine Margaine / Carmen Topciu Don José | Saimir Pirgu / Luciano Ganci Escamillo | Samuel Youn / Alessandro Luongo

Moralès | Roberto Accurso Zuniga | Costantino Finucci Micaëla | Karen Gardeazabal Mercédès | Mireille Lebel / Alessandra Visentin

Frasquita | Sandra Pastrana / Giulia Bolcato Dancairo | Fabio Previati Remendado | Francesco Pittari

Orchestra, Coro e Balletto del Teatro di San Carlo

Con la partecipazione del Coro di Voci Bianche del Teatro di San Carlo

La Spagna creata da Bizet è, prima ancora che un luogo geografico (peraltro mai visitato dall'autore), il luogo della psicologia umana, della passionalità e dell'istinto, dei conflitti primari: Amore e Odio, Libertà e Legàmi, Maschio e Femmina. Ed è in questi dualismi, in questa doppia connotazione che va ricercata l'universalità dell'opera e dei due caratteri di Don José e di Carmen. Purtroppo tale complessità psicologica solo raramente viene posta in risalto nella pratica teatrale corrente; si preferisce infatti la zingara ancheggiante e rapace al personaggio luciferino che si nasconde nella protagonista. Nel definire il colore della Spagna, Bizet non parte dal folklore vero e proprio tant'è che dalla musica spagnola il compositore non riprende che qualche ritmo (una Habanera ed una Seguidilla). Lo “spagnolismo” della Carmen non è puro colore, al contrario esercita una precisa funzione drammatica e addirittura imposta un realismo ambientale che orienta tutto il lavoro su un piano il cui rapporto con la realtà è ben più diretto e immediato di quanto la storia dell'opera avesse mai sperimentato

venerdì 31 Luglio ore 20.00 sabato 1 Agosto ore 19.00; domenica 2 Agosto ore 17.00

Maurice Ravel mCOME UN RESPIRO / BOLERO

Come un Respiro

Musica | Georg Friedrich Handel mCoreografia | Mauro Bigonzetti Costumi | Helena de Medeiros

Bolero

Musica | Maurice Ravel Coreografia | Giuseppe Picone Costumi | Alberto Canestro

Interpreti

Etoile | Svetlana Zakharova / Giuseppe Picone

Balletto del Teatro di San Carlo Come un respiro / Bolero mette in scena due coreografie: Come un respiro di Mauro Bigonzetti e Bolero di Giuseppe Picone. Nel 2017 Bigonzetti, sulla musica evocativa di Haëndel, ha creato per il teatro alla Scala una lunga coreografia in due atti dal titolo Progetto Haëndel, con Svetlana Zakharova, in scena quest’anno al Teatro Bolshoi di Mosca in versione ridotta. Come un respiro ne è un estratto della durata di quarantacinque minuti. Mauro Bigonzetti è un coreografo molto fertile che nella sua lunga carriera artistica ha spaziato in lungo e in largo e questo titolo, in tutta la sua produzione, è quello che racchiude i suoi elementi creativi più significativi, dalla tecnica allo stile, all’atmosfera rarefatta. Bolero, sulla celebre musica di Maurice Ravel, è una coreografia creata da Giuseppe Picone nel 2014 per il Teatro Comunale di Piacenza. “E’ un viaggio attraverso la solitudine – spiega Giuseppe Picone, autore e interprete – da giovani si pensa di essere autosufficienti ma non sempre è così…il nostro errore, come esseri umani, è quello di chiuderci nel momento del bisogno invece di chiedere aiuto. E’ successo anche a me quando ho pensato di essere più forte della vita che in certi momenti mi ha buttato a terra…mi sono lasciato prendere dalla superficialità, sbagliando. Le tre donne in scena rappresentano la fragilità, i tre uomini la forza, cercano di aiutare il protagonista ma lui non accetta e morirà solo, circondato dalla superficialità, imprigionato dall’immagine riflessa negli specchi. La verità è che ci sono sempre persone che ti allungano una mano, bisogna aprirsi, la solitudine non porta a nulla e soprattutto la vita è sempre più forte… Questo progetto è andato in scena al Teatro Antico di Taormina nel 2015 e ora, per la prima volta, al Teatro di San Carlo. Sono molto emozionato di tornare a ballare, finora ho preferito essere poco presente in scena perché c’è tanto da fare, l’organizzazione di una compagnia è complicata, richiede tempo e disponibilità e non è facile conciliare le due cose”.

giovedì 17 Settembre ore 20.00; venerdì 18 Settembre ore 18.00; domenica 20 Settembre ore 17.00; mercoledì 23 Settembre ore 18.00; giovedì 24 Settembre ore 18.00; venerdì 25 Settembre ore 20.00; sabato 26 Settembre ore 19.00; domenica 27 Settembre ore 17.00

Franz Lehár DIE LUSTIGE WITWE (LA VEDOVA ALLEGRA)

Operetta in tre parti su libretto di Victor Léon e Leo Stein, dalla commedia L'Attaché d'ambassade di Henri Meilhac.

Prima rappresentazione: Vienna, Theater an der Wien, 30 dicembre 1905

Coproduzione Teatro La Fenice di Venezia e Teatro dell’Opera di Roma

Direttore | Nick Davies Regia | Damiano Michieletto Scene | Paolo Fantin Costumi | Carla Teti

Interpreti

Barone Mirko Zeta | Franz Hawlata Valencienne | Adriana Ferfecka / Marina Monzò Hanna Glawari | Nino Machaidze

Conte Danilo Danilowitsch | Paulo Szot Camille de Rossillon | Anicio Zorzi Giustiniani / Giovanni Sala

Raoul de St-Brioche | Marcello NardisVisconte Cascada | Enzo Peroni Bogdanowitsch | Enrico Di Geronimo

Sylviane | Marta Calcaterra Kromow | Enrico Cossutta Olga | Michela Antenucci Pritschitsch | Italo Proferisce

Praskowia | Anna Werle Njegus | Karl-Heinz Macek

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo

Autore assai prolifico con circa una trentina di operette all'attivo, Franz Lehár è noto quasi esclusivamente per la “verve” e la ricca invenzione melodica e ritmica della Vedova allegra. Questo capolavoro deve la sua fortuna ad una serie di fattori che si conciliano nel corso dell'operetta e si esaltano a vicenda; innanzi tutto la natura della storia che riunisce in modo armonico intorno ad un'unica questione (l'eredità) una serie di temi classici come il denaro, l'amore, la gelosia e la fedeltà. Un ulteriore elemento è il ballo che rende particolarmente “scorrevole” l'azione: non si tratta solo di offrire un'occasione coreografica (corredata da diversi tipi di costumi) ma attraverso il ballo la vicenda si evolve e le relazioni tra i personaggi si trasformano. Il ballo esprime anche il carattere dei personaggi e delle situazioni e descrive l'evoluzione del clima psicologico. Proprio per questa prominenza del ballo La vedova allegra rientra secondo alcuni nel genere della Tanzoperette anche se questa definizione non tiene conto dell'effettivo spessore della partitura che raccoglie mirabili pagine melodiche ed un raffinato uso dell'orchestra.

venerdì 2 Ottobre ore 20.00; domenica 4 Ottobre ore 17.00

Gioachino Rossini MAOMETTO II

Dramma in due atti su libretto di Cesare Della Valle, dal suo Anna Erizo.

Prima Rappresentazione: Napoli, Teatro di San Carlo, 3 dicembre 1820

Direttore | Diego Fasolis

Interpreti

Paolo Erisso | Juan Francisco Gatell Anna | Vasilisa Berzhanskaya Calbo | Teresa Iervolino

Condulmiero | Enrico Iviglia Maometto II | Mirco Palazzi Selimo | David Ferri Durà

Esecuzione in forma di concerto

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo

Prima di chiudere la sua ricca stagione napoletana con Zelmira, Rossini diede alla città e al suo esigente pubblico un'opera dalla vasta architettura scenica, particolarmente curata nella strumentazione e nei recitativi. Il fatto che il compositore arrivi a questi esiti proprio a Napoli, dopo una permanenza di cinque anni con un incarico stabile al San Carlo, non deve stupire; Napoli era infatti una vera e propria capitale musicale, dotata di un teatro che poteva vantare una delle orchestre più grandi del panorama operistico europeo, sia in senso qualitativo sia quantitativo. Anche le compagnie di canto, riunite dal grande impresario Barbaja, non erano da meno e raccoglievano interpreti di altissimo livello. La partitura di Maometto II è particolarmente ambiziosa e prevede il superamento degli schemi formali più consueti (fatti di numeri chiusi) a favore di grandi strutture collegate da un complesso procedimento di elaborazione tematica. Dove è necessario, per ragioni drammaturgiche, Rossini rinuncia alla struttura tipica dell'aria con cavatina e cabaletta a favore di forme più elastiche.

venerdì 9 Ottobre ore 20.00; sabato 10 Ottobre ore 19.00; domenica 11 Ottobre ore 17.00

Sergej Prokof’ev CENERENTOLA

Balletto su musica di Sergej Prokof’ev
su uno scenario di Nikolay Volkov

Coreografia originale di Giuseppe Picone Direttore | Nicola Giuliani Scene | Nicola Rubertelli Costumi (dal repertorio del Teatro di San Carlo) | Giusi Giustino

Interpreti

Cenerentola | Marianela Núñez / Claudia D'Antonio Principe | Vadim Muntagirov / Alessandro Staiano

Orchestra e Balletto del Teatro di San Carlo

Con la Partecipazione degli allievi della Scuola di Ballo del Teatro di San Carlo

La celebre fiaba di Charles Perrault è una delle storie più amate. Umiliata dalla matrigna e dalle sorellastre, Cenerentola non perde la capacità di sognare riuscendo a realizzare il suo desiderio di felicità. Nell’immediato dopoguerra – la prima rappresentazione andò in scena al Teatro Bolshoi di Mosca il 21 novembre 1945 – il balletto tornò sulle scene del mondo coreografico. A superare tutte le precedenti edizioni fu la versione di Frederick Ashton in scena al Covent Garden di Londra nel 1948. Nel 1955 Carla Fracci, non ancora ventenne, stupì il pubblico con la sua interpretazione che la accompagnò per molti anni. La meravigliosa partitura di Prokof’ev, acuta, dinamica ed incalzante tanto da sottolineare le scene comiche e grottesche, raggiunge vette altissime nei meravigliosi e vorticosi valzer del secondo atto. La versione coreografica di Rudol’f Nureyev (1986) in scena al Teatro di San Carlo nel 1991, era ambientata nella Hollywood degli anni Trenta; quella di Matthew Bourne (1997) a Londra, durante la seconda guerra mondiale. Tra le produzioni contemporanee spicca la Cendrillon di Maguy Marin (1985), una satira feroce del mondo dell’infanzia. “La mia creazione – aggiunge Giuseppe Picone - è andata in scena per la prima volta al Teatro di San Carlo nel 2017, ero appena stato nominato direttore della compagnia. E’ un balletto che amo moltissimo perché il ruolo del Principe mi ha portato fortuna a diciannove anni quando ero all’English National Ballet, poi è stato il mio debutto all’American Ballet Theatre, in seguito al Teatro dell’Opera di Roma (2005) Carla Fracci creò per me una nuova versione del balletto che ho danzato ancora al Teatro Filarmonico di Verona con Maria Grazia Garofoli e a Vienna con Renato Zanella…insomma ha accompagnato la mia carriera. Artisticamente ho puntato molto sulle sorellastre mentre per la tecnica sul ruolo di Cenerentola. La partitura di Prokof’ev, anche se molto difficile, mi fa impazzire, ciascun passaggio mi è venuto naturale, riesco a seguire ogni accento musicale. Con questo balletto siamo stati invitati al Festival di Granada, in Spagna, e siamo andati in tournée al NCPA di Pechino”.

sabato 17 Ottobre ore 20.00; domenica 18 Ottobre ore 18.00

JURAJ VALČUHA Direttore | Juraj Valčuha

Gioachino Rossini Stabat mater per soli, coro e orchestra (1842)

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo

Difficile contenere l'inarrestabile torrente melodico di questa maestosa composizione e ricondurlo sempre nell'alveo di una intensa spiritualità; si dice che Gioachino Rossini abbia pianto dalla commozione ascoltando per la prima volta lo Stabat Mater di Giovanni Battista Pergolesi, e certamente gli tornò in mente quando, intorno al 1832, venne invitato a musicare il testo della sequenza di Jacopone da Todi che descrive la sofferenza della Vergine ai piedi della croce. Lo straziante dolore della Madonna di fronte al Figlio morto pare trasferirsi sulla scena di un vero e proprio teatro dell'anima, luogo di stupore e di mistero, in cui tutto può accadere.

La storia della stesura della partitura è piuttosto complessa ma certo l'esito finale risultò assolutamente personale, forte di un linguaggio vivo, realistico e altamente scenografico. Le cronache dell'epoca raccontano che il 18 marzo 1842, giorno della prima, la folla cominciò la fila per acquistare i biglietti sin dalle prime ore del mattino e furono adottate misure di sicurezza eccezionali per evitare incidenti; si trattò di un evento memorabile e per molti giorni i giornali bolognesi parlarono dello Stabat in termini enfatici.

domenica 25 Ottobre ore 19.00; martedì 27 Ottobre ore 20.00; mercoledì 28 Ottobre ore 18.00; giovedì 29 Ottobre ore 18.00;

venerdì 30 Ottobre ore 20.00; sabato 31 Ottobre ore 19.00

Giuseppe Verdi LA TRAVIATA

Opera in tre atti su libretto di Francesco Maria Piave dal dramma La dame aux camélias di Alexandre Dumas.

Prima Rappresentazione: Venezia, Teatro La Fenice, 6 marzo 1853

Produzione del Teatro di San Carlo

Direttore | Stefano Ranzani Regia | Lorenzo Amato Scene | Ezio Frigerio Costumi | Franca Squarciapino

Interpreti

Violetta Valéry | Albina Shagimuratova / Nino Machaidze / Maria Grazia Schiavo Flora Bervoix | Mariangela Marini / Cinzia Chiarini

Annina | Michela Antenucci Alfredo Germont | Francesco Demuro / Ivan Magrì

Giorgio Germont | Amartuvshin Enkhbat / Giovanni Meoni Gastone | Lorenzo Izzo / Enrico Zara

Il barone Douphol | Nicola Ebau Il marchese d'Obigny | Nicolò Ceriani Il dottor Grenvil | Francesco Musinu

Orchestra, Coro e Balletto del Teatro di San Carlo

Ancora oggi a Parigi si depongono fiori sulla tomba di Marguerite Gautier, protagonista realmente esistita del dramma di Alexandre Dumas figlio La dame aux camélias dal quale Verdi, insieme al suo librettista Francesco Maria Piave, trasse il libretto della Traviata. Non a caso l'opera, basata su un soggetto piuttosto scabroso per l'epoca, vide la luce a Venezia dove la censura era già stata tollerante con Verdi accettando le arditezze di Ernani e Rigoletto. Per diverse ragioni (tra le quali l'inadeguatezza dei cantanti) l'opera subì un clamoroso insuccesso alla prima ma divenne poi una delle opere italiane più rappresentate di tutti i tempi.

Sul piano musicale, La traviata è per molti aspetti l'ultima opera belcantistica di Verdi e segna il passaggio dal modello del primo Ottocento, legato ad una dimensione vocale idealizzata, alla nuova via più “realistica” che lo stesso Verdi percorrerà nella seconda metà del secolo. Terza opera della cosiddetta “trilogia popolare” (insieme a Trovatore e Rigoletto), Traviata è forse la partitura più densa di interiorità psicologica di tutto il teatro d'opera romantico. Le violente passioni delle opere precedenti si trasformano in sottili e spesso raffinate notazioni dei sentimenti, del dolore, della tenerezza, dell'amore, della rassegnazione.

mercoledì 4 novembre ore 20.00

150° ANNIVERSARIO MORTE Francesco Saverio Mercadante

Francesco Saverio Mercadantem (Altamura 1795 - Napoli 1870)

Nel 150° anniversario della morte. Insurrezione Polacca. Fantasia descrittiva a grande orchestra in quattro parti consecutive

(Napoli –agosto 1863) Revisione critica a cura di Ivano Caiazza

Direttore | Francesco Ommassini

La danza augurale – Cantata per soli, coro e orchestra

Per l’avvenimento al trono del Regno delle due Sicilie di S.A.R. Francesco II per le auguste sue nozze con S.A.R. Maria Sofia Amalia di Baviera

Teatro di San Carlo 26 luglio 1859 Poesia di Nicola Sole Revisione critica a cura di Ivano Caiazza

Orchestra e Coro del Teatro di San Carlo

domenica 8 Novembre ore 19.00; martedì 10 Novembre ore 20.00; mercoledì 11 Novembre ore 18.00

CONCERTO RICCARDO MUTI

Direttore | Riccardo Muti

Francesco Saverio Mercadante Ouverture da I due Figaro (1826)

Franz Schubert Sinfonia n. 3 in Re maggiore D. 200 (1815)

Pëtr Il'ič Čajkovskij Sinfonia n. 5 in mi minore, op. 64 (1888)

Orchestra del Teatro di San Carlo

Grazie al maestro Muti, che ha diretto nel 2011 a Ravenna la prima rappresentazione in tempi moderni dell'opera, il pubblico ha potuto riscoprire una musica “leggera e brillante, scritta con eleganza, sovente raffinata nella qualità della strumentazione e dell'invenzione ritmica”.

Tanto aveva bruciato le tappe del genio romantico nel genere del Lied (a soli 17 anni aveva scritto il capolavoro Margherita all'arcolaio), tanto era rimasto fedele, nelle Sinfonie, ai modelli di Haydn e Mozart senza quasi misurarsi con la creatività espletata dall'ultimo Beethoven in questo genere; ovviamente l'etichetta di classicista esclude l'Incompiuta e la Sinfonia in do maggiore detta "Grande". Pur essendo un frutto della sua prima giovinezza, la Terza Sinfonia mostra già la misura e la mano del gusto schubertiano con gesti melodici che emergono con forza, momenti e pagine incantevoli."Voglio mettermi a lavorare alacremente; sento in me un impulso fortissimo di dimostrare non solo agli altri ma a me stesso che la mia capacità di comporre non è esaurita [...]”; così scriveva Čajkovskij il 10 giugno 1888 alla sua generosa mecenate Nadežda von Meck. Si riferiva alla Sinfonia n. 5 in mi minore op. 64, composta rapidamente tra il maggio e l'agosto del 1888, dopo un periodo di depressione e di stasi creativa.

La Quinta Sinfonia riprende dalla Quarta il principio ciclico dell'idea ricorrente, o motto, facendone un uso ancora più ampio, perché uno stesso tema, collegato al destino, ritorna in tutti e quattro i movimenti.

mercoledì 18 novembre ore 18.00

Jean-Yves Thibaudet

In omaggio per il quinto anniversario della morte del Maestro Aldo Ciccolini

Pianista | Jean–Yves Thibaudet

Claude Debussy Préludes, primo libro, L. 125 (1909-10) Préludes, secondo libro, L. 131 (1911-13)

Il soffio leggero del vento, i passi sulla neve ghiacciata, le chitarre, i tamburi, le campane, trovano riscontri musicali non solo simbolici, ma spesso addirittura onomatopeici nei due libri dei Préludes; tuttavia, la particolare collocazione dei titoli alla fine (e non all'inizio) di ogni brano indica una tendenza a superare la suggestione ambientale e la pittura in musica per avviarsi verso l'astrattismo che caratterizzerà gli Studi. Entrambi i libri comprendono dodici pezzi: in totale, ventiquattro Preludi secondo una prassi frequente Settecento e dell'Ottocento che vede nel numero tre (e i suoi multipli) un numero ideale. Il tono intimista, le sonorità delicate e l'essenzialità quasi del tutto priva di decorazioni mostrano come l'autore li avesse concepiti per un uso privato e non concertistico. I ventiquattro pezzi non seguono alcuno schema tonale, né sono ordinati secondo esplicite regole di simmetria; il senso di unità che traspare dalla loro successione dipende piuttosto da una coerenza poetica profonda, dalla loro spontanea adesione a un pensiero che scompone il principio della variazione e sospende l'idea del tempo. Tutta la musica di Debussy ha in questo senso un aspetto preludiante e tutta, di conseguenza, può essere letta alla luce delle suggestioni che possiamo trarre dai due libri di brani pianistici effettivamente indicati con quel titolo.